A medida que la década llega a su fin, los críticos y cinéfilos de todo el mundo pasan muchísimo tiempo escribiendo sus listas de lo mejor y lo peor de los últimos diez años. Los argumentos continuarán hasta bien entrado 2020, pero por ahora es el momento de echar un vistazo a algunos de los momentos cinematográficos más extraños y WTF de la década.
La década de 2010 ciertamente no estuvo corta de películas extrañas o momentos que te hicieron quedarte boquiabierto por la confusión, ya sea en películas independientes esotéricas o en algunos de los mayores éxitos de taquilla de la época. Incluso cuando la realización de películas se volvió súper segura en el nivel de estudio de gran presupuesto, se tomaron riesgos y algunos directores no tenían miedo de volverse súper raros.
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Podríamos haber completado esta lista por completo con películas independientes experimentales que realmente superan los límites pero que no encontraron una audiencia masiva, pero también queríamos dar cuenta de algunos de los momentos más extraños que de alguna manera llegaron a la corriente principal. Estos son los momentos cinematográficos más extraños de la década de 2010.
La araña en el enemigo
Denis Villeneuve 's adaptation of José Saramago's novel El doble presentó a Jake Gyllenhaal en el papel dual de dos hombres con personalidades tan diferentes como similares son sus apariencias. Adam, un profesor de historia en Toronto, vive una vida relativamente mundana hasta que ve a un actor en una película de alquiler que se parece a él, lo que lo envía a un viaje obsesivo para descubrir más sobre él. Su doble, Anthony, parece tener su vida en orden de una manera que Adam no lo hace y eso lo vuelve loco. Las arañas son un motivo recurrente en todo Enemigo , inspirada principalmente en la escultura Maman de Louise Bourgeois. Incluso si entiendes lo que sugiere la metáfora, nada te prepara para el clímax de la película y la tarántula del tamaño de una habitación con la que se encuentra Adam. Instintivamente saltas de tu asiento ante la vista antes de preguntarte qué diablos acaba de pasar. Es un final adecuadamente desconcertante para una película alucinante.
El veneno es como un excremento en el viento
Veneno no era exactamente una película muy publicitada cuando se estrenó en los cines en 2018. La campaña de marketing había sido confusa y desordenada, la calificación PG-13 decepcionó a los fanáticos a quienes se les prometió una película más para adultos, y ni una sola persona con vida vio el tráiler con Venom diciendo la línea como una mierda en el viento y no se rió. Parecía un fracaso inesperado para Sony Pictures, pero luego la gente lo vio y muchos quedaron sorprendidos por su tono extraño que oscilaba entre el drama serio, la comedia romántica y las payasadas al estilo de Chaplin. Tom Hardy ofrece una actuación totalmente comprometida que hace avanzar la película a través de un gran esfuerzo, y la extraña química semi-coqueta de Eddie Brock y Venom hizo que la experiencia fuera notablemente agradable. Sorprendentemente, el como una mierda en el viento El momento funciona mejor en contexto una vez que recuerdas que Venom es un perdedor confeso y ya has visto a Brock darse un chapuzón en el tanque de langostas de un restaurante. Aquí está la esperanza de que el director Andy Serkis aumente el caos para Veneno 2 .
Todo en El Señuelo
La década de 2010 ciertamente no estuvo corta de una o dos películas raras si sabías dónde buscarlas, y esta década Polonia nos regaló una de calidad especialmente alucinante. El señuelo , el debut en 2015 de la directora Agnieszka Smoczyńska es un sintetizador musical de terror feminista protagonizado por sirenas asesinas. ¿Qué más se puede pedir? Adaptación libre del icónico cuento de hadas de Hans Christian Andersen La Sirenita , El señuelo no podría ser más diferente de la versión de Disney. Este es violento, sexy, asqueroso y profundamente consciente de cuán misógino es el material de origen, que representa a dos hermanas sirenas que son engañadas por un acto de mala calidad en un club nocturno polaco y se convierten en objetos de curiosidad y lujuria para los humanos que pagan para verlas cantar. . Un hombre se enamora de una de las hermanas, pero su falta de genitales humanos resulta ser un pequeño problema, y el viaje que hace la película con esta narrativa revela la brutalidad del sexismo en su nivel más primitivo. El resultado final es una de las películas más raras y recomendadas de la década.
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Sexo sexy de hombre pez en forma de agua
Cuando Guillermo del Toro ganó el Oscar a la Mejor Película con La forma del agua , muchos críticos condenaron la película como una elección segura de los votantes de la Academia. Eso parece un despido tan extraño para hacer sobre un romance de fantasía de la era de la Guerra Fría donde una mujer muda se lleva bien con un hombre-pez. Del Toro ama a sus monstruos y con frecuencia se asegura de que sus personajes humanos también lo hagan, en más de un sentido. Si bien la película no muestra el sexo, no tiene reparos en hacerle saber a la audiencia que el hombre-pez y Eliza de Sally Hawkins la pasaron muy bien. En un momento, Eliza le muestra a su mejor amiga cómo un hombre-pez incluso tiene el equipo para copular con éxito con una mujer humana, y es un momento sincero de un deleite tan inesperado que incluso los espectadores más abiertos se sorprendieron un poco.
El fin de la madre!
El director Darren Aronofsky nunca ha sido de los que se toman el camino fácil con sus películas. Su trabajo es a menudo deliberadamente difícil de soportar, ya sea el descenso del protagonista a la locura espiritual en Pi o los efectos brutales de la adicción a las drogas a través de los protagonistas de Réquiem por un sueño . Desde la gramática curiosa del título hasta las campañas publicitarias evocadoras pero muy crípticas, parecía que ¡madre! sería más de lo mismo. Al público le encantó la película o la detestó, y la película recibió la notoria calificación F de Cinemascore. Incluso para aquellos que amaban el drama alegórico sutil como un ladrillo, no fue difícil ver por qué. En su recuento bastante completo del Libro del Génesis, junto con una fábula sin restricciones sobre el abuso que la humanidad ha infligido a la Madre Tierra, ¡madre! culmina con una multitud destrozando y consumiendo al bebé de Jennifer Lawrence. No es la metáfora más delicadamente construida, pero ciertamente hizo el trabajo para aquellos que pudieron soportarlo.
El oso humano en aniquilación
Es posible que nunca obtengamos una adaptación adecuada de Lovecraft de un importante estudio estadounidense, pero Paramount y el director Alex Garland sin duda fueron los que más se acercaron a capturar el terror cósmico del ícono del terror con Aniquilación . Adaptada libremente de la novela del mismo nombre de Jeff VanderMeer, el drama de ciencia ficción sigue a cinco mujeres, dirigidas por Natalie Portman, mientras cruzan hacia 'The Shimmer', una zona en cuarentena del sur de Florida inmersa en la metamorfosis de un fuerza alienígena desconocida. El Shimmer muta todo ser vivo a su paso, desde las plantas hasta la vida silvestre y los humanos, y a medida que las mujeres se acercan a su centro, las vistas más perturbadoras que ven. El que más nos desconcertó fue el oso, que había mutado en parte con la geomorfóloga agonizante Cassie 'Cass' Sheppard. Escuchar los gritos de dolor de Cass pidiendo ayuda desde el cuerpo de un oso mutante es un ruido que perseguía muchas de nuestras pesadillas.
El ascenso de Yorgos Lanthimos
Algunos directores simplemente no están hechos para la corriente principal. Hay algunos cineastas que tienen un talento excepcional y merecen ser el centro de atención, pero parecen diseñados para permanecer estrictamente independientes. Nadie esperaba que el autor griego Yorgos Lanthimos triunfara como lo hizo, convirtiéndose en un nominado al Oscar al Mejor Director después de cambiar a dramas en inglés. El golpe uno-dos-tres de La langosta , La matanza de un ciervo sagrado , y el favorito reveló que Lanthimos era un visionario comprometido que podía hacer que su estilo altamente específico (humor seco, confuso en la trama, muy dependiente de una mezcla de mundano y excéntrico) fuera aceptable para audiencias más amplias sin diluir nunca su intención. Este es el director que hizo una sátira sobre las relaciones en las que las personas que no están en una se convierten en el animal de su elección, ¡y el público en general fue a verla! Es gracias a directores como Lanthimos que la industria parece cada vez más dispuesta a correr riesgos en historias aparentemente inseguras.
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El giro en Perdón por molestarte
Boots Riley hizo un gran revuelo con su debut como director, dando la satírica drama siento molestarte una fuerza política descarada que habló en voz alta en contra del tipo de problemas que Hollywood normalmente trata de evitar. La comedia negra absurda asumió las realidades aplastantes del capitalismo moderno y el temor ineludible de este sistema en el que todos estamos obligados a trabajar, pero en lugar de hacer un drama triste al respecto, Lamento molestarlo es deliciosamente loco y usa saltos fantásticos para transmitir completamente el horror de ser aplastado bajo una ideología que se posiciona constantemente como el sueño. Básicamente todo sobre Lamento molestarlo es deliciosamente extraño, desde el uso de la 'voz blanca' de los actores negros hasta las formas surrealistas en que se visualiza el telemercadeo y la gran cantidad de cocaína que inhala el personaje de Armie Hammer. Sin embargo, por puro poder WTF, tenemos que ir con el momento en que la película revela cómo su corporación malvada central planea degradar aún más a sus trabajadores. Una criatura mitad hombre mitad caballo se revela y explica como la nueva evolución para mantener a los trabajadores dóciles y fuertes para el trabajo perpetuo. Es tonto pero aterradoramente real en su mensaje, lo que solo hace que su rareza sea aún más desconcertante.
El brazo y el globo ocular de la paradoja de Cloverfield
La paradoja de Cloverfield no fue tan interesante ni recordado como sus predecesores y probablemente será más reconocido en el futuro por su lanzamiento poco convencional, ya que Netflix recogió la película de Paramount y luego la dejó caer después del Super Bowl. Todavía hubo algunos momentos de terror corporal que nos hicieron preguntarnos de dónde iban los cineastas. El horror de ciencia ficción siguió a un grupo internacional de astronautas a bordo de una estación espacial que, después de usar un acelerador de partículas para tratar de resolver la crisis energética de la Tierra, son enviados accidentalmente a una dimensión alternativa. En una escena, los globos oculares de un personaje comienzan a moverse por sí solos y comienza a hablar consigo mismo en el espejo. Otro personaje pierde su brazo y luego comienza a moverse e intentar comunicarse con ellos. Esto podría haberse hecho de una manera aterradora: echa un vistazo a The Thing para ver la representación definitiva del horror corporal, pero La paradoja de Cloverfield es extrañamente descuidado en sus esfuerzos y en su mayoría se presenta como intentos débiles de comedia sin risas. Lamentablemente, el resto de la película no es lo suficientemente extraño como para justificar un momento tan extraño. Califique este como un experimento fallido que Netflix correctamente descargó en una llamarada de publicidad, del que nunca más se supo.
Todo el tío Boonmee que puede recordar sus vidas pasadas
En 2010, Apichatpong Weerasethakul, conocido coloquialmente como Joe, se convirtió en el primer cineasta tailandés en ganar la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con el drama profundamente único. Tío Boonmee que puede recordar sus vidas pasadas . La película se centra en los últimos días de la vida de su personaje principal mientras explora sus vidas pasadas con sus seres queridos, incluido el espíritu de su difunta esposa y su hijo perdido que ha regresado en forma de espíritu. Sukhdev Sandhu de El Telégrafo diario describió al tío Boonmee como 'apenas una película; más un mundo flotante', que es muy apto. Su combinación de estilos y géneros cinematográficos la convierte en una de las exploraciones más enigmáticas y hermosas de la muerte llevada a la pantalla grande de la década de 2010. Viva lo raro.
Caucho: la película sobre un neumático asesino
Podríamos simplemente escribir la descripción de la trama para Goma aquí y eso sería suficiente para explicar su ubicación en nuestra lista. Sí, esta es una película sobre un neumático asesino. El director francés Quentin Dupieux, también conocido como el DJ y músico Mr. Oizo, se comprometió con esta loca trama en la que un neumático llamado Robert cobra vida de repente en algún lugar del desierto de California. Después de aprender a rodar hacia adelante y aplastar objetos, Robert descubre que tiene poderes psicoquinéticos y puede hacer que las cosas, y los seres vivos, exploten. Goma está a medio camino entre una película basura de serie B y una obra de arte introspectiva, pero solo por pura creatividad, vale la pena.
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